Maurizio Cattelan, 1960

El artista italiano Maurizio Cattelan es considerado un artista autodidacta, cuya expresión artística se basa en la escultura y la permformance.

Como muchos otros artistas, tiene en el punto de mira a los símbolos establecidos, ya sean políticos, religiosos o artísticos. Es uno de esos artístas qur utilizan la sátira en sus obras, para a su vez criticar aspectos de la política, la sociedad, y sobre todo y en particular al mundo del arte.

Uno de sus trabajos más sonados fue "la novena horca" donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol.

Esa profunda crítica implícita en su trabajo se convierte en transgresión y provocación en muchos casos.

Otra de sus obra más famosas:

La Nona Ora. 1999

Esta obra representa al Papa Juan Pablo II abatido por un meteorito, fruto, quizás de una señal divina, otro guió a la provocación de Cattelan.

Him. 2001

Otra obra en la que esta vez aparece la figura de Adolf Hitler a modo caricatura, de rodillas, la cuál nos da a entender que está pidiendo perdón por los actos cometidos.

Sin título. 2004

Esta obra estuvo expuesta en una plaza de Milán con las siguientes consecuencias . Obviamente es una obra para provocar, pero creo que funciona como una reflexión. Miles de niños mueren cada día pero lo que de verdad nos impacta es ver unos muñecos colgados de un árbol. Es una crítica a la pasividad con las que dejamos pasar las noticias reales. Esta obra parte de la provocación para denunciar un hecho real.

Jeff Koons. 1955

En esta nueva recesión presento a otro artista considerado como uno de los creadores vivos más cotizados del momento: Jeff Koons.
Mediante el visionado de un video en la última clase de Pintura hasta le fecha, dedico esta entrada al artista norteamericano que aparte de cotizado afortunadamente para él, resulta también polémico, aunque parezca que hoy en día ambos conceptos vayan unidos, casi con obligotoriedad.

Jeff Koons que se licenció en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA) en Baltimore en 1976, pronto se convertiría en un corredor de bolsa para poder costearse sus primeras creaciones, lo que le llevó a seguir trabajando en el ambiente más mercantilista del arte. Creo que este hecho resulta significativo tanto en el trabajo de Koons como en su propia personalidad. Alguien calculador, no en un sentido peyorativo, sinó más bien pensando en alguien que sabe muy bien como moverse en este mundo y sobre todo como promocionarse. Por eso, creo que sus orígenes no deben alejarse mucho de estos ambientes, al contrario que artistas como el ya citado en entradas anteriores Bram Van Velde, cuya proyección y reconociemiento se vio más tarde recompensado.

El objetivo en la obra de Jeff Koons no ha cambiado desde sus comienzos, allá por los años 80. Con la aparición de la publicidad, del consumismo en masa, se forja su obra, su metodología que pretende aparentemente criticar utilizando la ironia y la sátira, estos aspectos basados en la fama, el dinero etc que por otro lado tanto ayudaron y siguen haciéndolo para promocionarse y seguir viviendo (muy bien) de esto.

Una de sus primeras obras, y de las más conocidas es la serie de porcelanas "Banality" en la que encontramos entre otras, la escultura de Michael Jackson con su mono o a la Pantera Rosa abrazada por una sensual mujer rubia.
Todo esto como ejemplo de su faceta kitsch que tanto ha acompañado a Koons durante toda su carrera y que él mismo se ha encargado de explotar.

Como en otras obras fruto de la etapa vivída con su ahora ex mujer la actriz porno Ciciolina. En esta época, Koons nos deja patente su deseo de provocación, de publiciatar su trabajo como sólo él sabe, mediante esculturas recreando relaciones sexuales con su mujer.

Hasta que llegó la ruptura del matrimonio y el dramático momento vivído por el artista después de que su mujer se llevara al hijo de ambos a su país natal. Fruto de esta experiencia es su obra "La celebración" que como el mismo autor declara es el momento de celebración de la vuelta de su hijo.

En esa misma época data "Puppy" un enorme cachorro de 12 metros de altura recubierto de flores y que actualmente preside la entrada al museo Guggenheim de Bilbao. Y otra de sus obras mas conocidas es su famoso "perro globo" que funciona ya debido a su fama como identidad del trabajo de Koons.

Opino que Jeff Koons no hace otra cosa que no hayan hecho otros artistas en el pasado. Tira de la tradición, como lo hizo en su día Warhol, recreando esa sociedad norteamericana basada en el consumismo, y lo hace mediante la provocación utlizando iconos de la sociedad actual como hizo con Michael Jackson.

Pero otra de las cuestiones que creo que despiertan más recelo en la obra de Koons y sobre todo en el propio artista es, entre otras, saber que el no realiza sus propias obras. Como buen empresario, contrata trabajadores que realizan sus esculturas, tanto en la construcción de sus "perrtios globo" con metales, como pintando o recortando para sus cuadros o collages. Él supervisa el trabajo de sus empleados, con gran minuciodidad. Es por eso que se plantea una gran pregunta sobre este tema: artista, ¿es el que hace su obra o el que sólo la plantea?

No hace falta hablar de artistas a lo largo de la historia que no han realizado por ellos mismos muchas de las obras por las que gran parte del público proclama su admiración, como es el caso de Rodin, por poner un ejemplo. Si el espectador supiese que su artista favorito no ha realizado su trabajo, ¿dejaría de admirarlo?

Entraríamos en la eterna discusión entre artista-artesano. ¿Quién es quién? ¿Qué papel juega cada uno? ¿Es un fabricante de cajas más artista que Jeff Koons?
Creo personalmente que influyen muchos otros aspectos aparte de la realización del objeto en sí para definir a alguien como artista. Jeff Koons es un artista que a mi modo de verlo, no ha sido muy innovador en el mundo artístico, ya que debe gran parte de su fama a la tradición de otros artistas pero que sí sabe moverse en el mercado del arte, en la publicidad, mediante la provocación etc, consiguiendo su objetivo.

MARKUS LÜPERTZ. 1941

Esta nueva entrada la dedico a una nueva recesión de otro artista, también desconocido para mí, como en el primer caso con Bram Van Velde. Esta vez el artista en cuestión es el alemán Markus Lüpertz.
Debo reconocer que estas clases en que se nos da la oportunidad de conocer artistas con los que muchos no estamos familiarizados mediante el visionado de vídeos, me parecen muy interesantes e intento aprovecharlas, no sólo con el vídeo en sí, sino con la búsqueda posterior de más de información acerca del artista. Sin embargo esta entrada, al igual que la primera, la quiero enfocar sobre todo a la actividad artística de Lüpertz, así como en comentar aspectos del video.

Algo que me ha llamado la atención es que el vídeo retrata al pintor trabajando. El artista accede a ser grabado mientras pinta una serie de cuadros de gran tamaño. Creo que este hecho es de agradecer, porque al menos para mí es un lujo ver trabajar a un artista, ver como se enfrenta al temido lienzo en blanco desde el principio hasta el final. También es cierto que eso sólo se puede realizar cuando el artista trabaja de forma rápida, como es el caso de Lüpertz, pues durante la realización del video realiza cinco cuadros que retoma a lo largo de días posteriores.

Markus Lüpertz pertenece a ese reducido grupo de artistas alemanes conocidos fuera de su país dentro del Neoexpresionismo, centrándose en la abstracción tanto en la pintura como en la escultura, y trabajando además en la poesía y durante el video demuestra con la rapidez de sus movimientos al pintar que es un claro ejemplo de pintor gestual, casi como si estuviera enfadado con el lienzo, pintando con una "violencia" controlada. Trabaja pintando y repintando, como un acto de arrepentimiento. Rectifica lo pintado y vuelve a pintar encima, siempre manchando el cuadro, huyendo del blanco original del lienzo. Eso implica pues, trabajar con materiales que permitan el secado rápido de la pintura, utilizando talco o resinas.

Sus formas son abstractas pero para llegar a ellas, se fija en la realidad, en imagenes figurativas que como explica en el video, descompone hasta llegar a la abstracción. Algo que me llama la atención es que destruya todo lo que reconoce en otro cuadro, aunque esto sea hermoso, porque como él dice eso no satisface la curiosidad del cuadro.
Es un romántico, un moderno vinculado a los Nuevos Salvajes, y lo demuestra en la expresividad y en el color de sus cuadros, al igual que en su peculiar elegancia, que no me pasó desapercibida.

BRAM VAN VELDE. 1895-1981.

Hace unas semanas pudimos ver en clase uno de los tantos documentales que veremos a lo largo del curso. El primero de ellos era el dedicado a un artista que sinceramente no conocía hasta ahora: Bram Van Velde.
Decidí buscar más información sobre la vida y obra de este artista tras el documental ya que no me aclaró del todo su trabajo.

Bram Van Velde fue un artista en continúa evolución, pues empezó a desarrollarse en el expresionismo alemán, evolucionó hacia el fauvimo, para finalmente encontrar su lugar con la abstracción cuyo estilo prodríamos decir que fue uno de los precursores, de sus iniciadores.
Dejó su país natal (Holanda), con poca edad para formarse en Alemania y al poco tiempo viajó a París para dejarse influir por el fauvismo sobre todo por Henri Matisse, pintando naturalezas con formas muy cubistas, de colores muy vivos. Poco a poco sus figuras sufrirían una transformación radical convirtiéndolas en formas ya casi abstractas, de ahí  la afirmación anterior de que se le considere el padre de la abstracción.
En su obra no hay referentes figurativos tan sólo formas, márgenes y estructuras triangulares formando un entresijo de formas abstractas en las que la mirada queda a merced de la obra.

Sabemos de muchos artistas cuya vida personal fue casi o más relevante que su actividad artística. El caso de Van Velde no es una excepción a mi modo de verlo, y no me refiero con esto a que le quite importancia a su obra, ni mucho menos, pero entiendo que la vida del artista no fue nada fácil y eso para muchos tiene un extraño atractivo, quienes quizás se vean más influidos por la obra al saber que fue un artista torturado en vida.
  
Su vida fue suficientemente larga (1895-1981) para poder viajar y conocer mundo pero también para la de vivir dos guerras mundiales (como muchos otros, sí) y abandonar su ciudad con pocos años.Vivió una temporada en España, más concretamente en Mallorca pero tuvo que huir de nuevo a París escapando de la Guerra Civil Española, y más tarde fue encarcelado un perido corto de tiempo por no haber renovado el permiso de residencia. Este hecho le marcó profundamente hasta tal punto que se vio sumido en una terrible soledad y miseria.

Tras la SegundaGuerra Mundial su obra ya era totalmetente abstracta, renunciando ya hasta al propio título de la obra.

Sus primeras exposiciones se realizaron cuando contaba con casi 50 años y no tuvieron el éxito esperado.


Pintó hasta los 50 años en  soledad pero porque así lo había elegido él mismo. Sólo lo hacía cuando de verdad lo sentía, cuando creía que se senía capacitado para hacerlo. Me llama la atención y en el documental queda reflejado cuando oímos hablar al propio Van Velde que era una persona tremendamente tímida, solitaria, y eso creo que se refleja tambien en su pintura, en las que como él mismo afirmaba pintaba para evadirse del mundo que le rodeaba y entendía la pintura como una necesidad interior.